How to see the lost art of rebel Disney imagineer Rolly Crump in L.A.

Rolly Crump was held in high regard for his remarkable contributions to art and design. He was a maverick within the Disney organization, a creative force akin to a beatnik, and a candid source of unfiltered expression.

Crump, who passed away last year at the age of 93, had an indelible impact on the aesthetic of Disneyland. His artistic legacy can be seen in attractions such as the Enchanted Tiki Room and, alongside collaborator Mary Blair, throughout It’s a Small World.

Crump’s artistic approach was characterized by a larger-than-life whimsy and vibrant exuberance that captured the attention of Walt Disney. Disney, recognizing Crump’s potential, transitioned him from animation to design, ultimately assigning him the creation of what has become undoubtedly one of the most iconic clocks in Southern California. This timepiece serves as a centerpiece for the facade of Disneyland’s It’s a Small World.

This week, a selection of Crump’s lesser-known personal works will be showcased at the Song-Word Art House in West Hollywood. The exhibition, titled “Crump’s The Lost Exhibition,” is curated by his son, Christopher, who has followed in his father’s footsteps and works for Walt Disney Imagineering, the division responsible for theme park design. “The Lost Exhibition” will prominently feature Crump’s works from the late 1950s and early 1960s, particularly his series of folk-house-inspired, rock ‘n’ roll-themed posters.

The event will be accessible to the public from Friday to Sunday and is located near the original site of one of Crump’s former favorite hangouts, the folk club The Unicorn. A poster Crump created for the venue will serve as a focal point of the exhibit. Christopher cites the free-spirited character of the 1950s folk scene as a significant influence on his father’s artwork, which exhibited the bold colors and intricate linework reminiscent of projects found within a tattoo parlor.

Other posters reveal Crump’s clever yet whimsical sense of humor, showcasing what he termed his “dopers,” artworks that humorously embraced drug culture in the style of Beat Generation barroom posters (one painting encourages viewers to “Be a man who dreams for himself,” cheerleading opium use).

Beyond his contributions to Disney, Crump remained engaged with unconventional Pop art throughout his career. A 1967 poster inspired by comic strips for the psychedelic rock group the West Coast Pop Art Experimental Band is part of the collection held by New York’s Museum of Modern Art, with a print displayed at Song-Word.

Crump was with Disney until 1970, although he returned on multiple occasions, eventually retiring in 1996. He also designed an attraction for Knott’s Berry Farm, briefly led his own design firm, and operated a short-lived store, Crump’s, dedicated to his artistic works. In 2017, Crump showcased his post-career works at the Oceanside Museum of Art, but Christopher views “The Lost Exhibition” as an opportunity to unveil his father’s lesser-known early creations, prior to his work on renowned attractions like the Haunted Mansion and It’s a Small World—which debuted at the 1964 World’s Fair.

“This is a deeply personal endeavor for me,” Christopher states. “This exhibition should have taken place. He deserved more gallery presentations. His only significant gallery showings occurred when he had Crump’s shop on Ventura Boulevard, but he never participated in a formal gallery exhibition.”

Christopher, who will be present throughout the three days to share stories about his father, spoke with The Times regarding the exhibition. This interview has been edited for brevity and clarity.

Rolly Crump in his shop, Crump’s, which son Christopher described as a brief venture on Ventura Boulevard.

(From Christopher Crump)

Tuo padre ha iniziato a lavorare per la Walt Disney Co. nel 1952. Tu sei nato nel 1954. Questa mostra pone particolare enfasi sull’arte di quel periodo. Quando hai iniziato a prendere coscienza del lavoro di tuo padre?

Disegnava costantemente. Mi sosteneva come modellista, e avevo una scrivania e dei strumenti, e lui mi comprava dei kit. Ho iniziato a costruire modelli all’età di 6 anni. Lo osservavo mentre disegnava. Ma più tardi, ho compreso l’enorme quantità di lavoro che stava producendo, era sempre impegnato. Era spesso in compagnia di [animatore-artista] Walter Peregoy. Walter si alzava alle 4 del mattino per disegnare e dipingere. E questo ha cominciato a colpirmi. Papà faceva due lavori: lavorava nell’animazione e nei fine settimana era impegnato nel settore edile, e realizzava tutte queste opere d’arte e mobili. Quando qualcuno si definisce artista, non ha scelta. È costante. È sempre presente.

Devi anche considerare la cultura. Papà non cambiava pannolini, non cucinava, non puliva e non faceva tutto quel tipo di cose. Gli uomini non lo facevano. Non era così che c’era qualcosa di sbagliato con lui, ma solo più tardi si è cominciato a dire: “Ehi, papà, devi aiutare con le faccende.” Qualsiasi cosa volesse fare, la faceva; così nel suo caso, dipingeva, disegnava, scolpiva e creava mobili. Continuava a soddisfare quel bisogno di esprimersi.

E tutti davano una mano. Mia madre faceva molta pittura sui lavori di papà. Lui disegnava e diceva: “Dipingi questo di rosso. Dipingi quello di verde.” Ricordo di aver fatto colori su quadri, nei primi anni ’60. Eravamo tutti parte del piccolo mondo artistico di papà.

In raccogliere questi manifesti artistici, cosa ti colpisce oggi? Cosa apprezzi del lavoro personale che stava svolgendo mentre lavorava nell’animazione? Ricordo che tuo padre diceva di sentirsi insicuro come animatore.

Un poster progettato da Rolly Crump, che fa parte di un’esposizione del lavoro iniziale dell’artista.

(From Christopher Crump)

Questi artisti [dell’animazione] come Walter Peregoy, Dale Barnhart, Frank Armitage, e naturalmente, Ward Kimball e Marc Davis — erano tutti straordinari. Papà diceva: “Sapevo come usare una matita.” Poteva disegnare, ma non aveva alcuna formazione formale nelle arti. Questi uomini lo influenzarono e da loro imparò, ma doveva trovare la sua voce. Recentemente ho visto un’intervista – qualcuno me l’ha inviata – in cui narra una bellissima storia su come desiderasse imparare a dipingere, diventare un artista. Stava cercando di imitare lo stile di Walt Peregoy e non stava funzionando. Si sentiva molto frustrato.

Parlò di andare a una mostra d’arte in studio ed osservò un’opera con un gruppo di gargoyle seduti su un tronco che volavano con aeroplanini. E lì scattò la lampadina. Disse, “Posso farlo.” Papà aveva un senso dell’umorismo particolare, e il mondo dell’animazione era tutto incentrato sul far ridere la gente, quindi tornò a casa e dipinse aragoste che sorseggiavano martini. E questo fu il primo dipinto in cui prese l’idea di raccontare una storia e assicurarsi che fosse divertente. Quel momento lo catapultò.

Ciò che ho sempre amato del lavoro personale di tuo padre è che c’è una natura di flusso libero. Si percepisce anche nel poster per The Unicorn. Sembra improvvisato, jazzoso.

Credo che, e lui stesso l’ha detto, fosse costantemente alla ricerca di qualcosa di diverso e poi cercava di aggiungervi un tocco personale. Quando pensi all’era folk, quando era davvero in voga — dominava la scena — c’erano i vagabondi sui treni merci che scrivevano canzoni contro le ingiustizie sociali. Erano “combattenti contro il sistema”. Tutte queste cose lo influenzarono: l’idea della musica folk e della libertà di espressione.

Rolly Crump nel 1957, quando l’artista lavorava nell’animazione presso la Walt Disney Co.

(From Christopher Crump)

Non c’era modo per lui di dipingere come quegli altri uomini. Ma trovò la sua voce, e questi manifesti divennero più satirici. È una sorta di pubblicità parodistica ma con molta ironia. Sarà presente un sottofondo musicale con molta della musica che papà aveva nella sua collezione a casa. Quindi sarà una compilation di 4½ ore di Miles Davis, Nina Simone, Peter, Paul e Mary, Quincy Jones, Harry Belafonte, Wes Montgomery—tutta la musica che ascoltavamo in casa o che sentivo nella sua Porsche mentre ascoltavamo la stazione jazz.

In che modo colleghi ciò che vedremo in questa mostra con il suo lavoro più noto per Disney in It’s a Small World o nell’Enchanted Tiki Room?

Poiché disegnava ogni giorno, il suo lavoro a matita, la sua composizione e le sue abilità tecniche come artista sono migliorate. Questo ha portato a come riusciva a ideare opere per il Tiki Room e ai giocattoli di Piccole cose del mondo. Non si è svegliato una mattina e ha improvvisamente iniziato a essere davvero bravo. C’è stata una progressiva crescita di chi fosse. Poi ha raggiunto un livello di fiducia. Sapeva chi era e non si scusava mai per questo.

Ha iniziato a osservare come si comportava Walt [Disney] e ha trovato il suo ritmo con Walt. Ha aspettato qualche anno prima di iniziare ad esprimere opinioni, e poi, una volta che Walt ha iniziato ad ascoltarlo, questo ha infastidito tutti gli altri Imagineers. Tutti cantavano e ballavano. “Qualunque cosa voglia Walt.” Rolly non era un ballerino. Come poteva questo strano personaggio beatnik essere parte del mondo Disney? È come i musicisti. È a tutto tondo. Hai menzionato la questione jazz: il jazz è improvvisazione. Il jazz significa lasciarsi trasportare dal flusso e seguire le tue idee audaci. Walt credeva nelle idee bizzarre di papà.

Eppure, quelle idee stravaganti hanno aiutato a definire il tono di Disneyland. I parchi a tema moderni sono molto allineati con l’aspetto del cinema e della televisione, eppure ci sono molte occasioni, ad esempio, in It’s a Small World, dove è chiaro quale fosse l’influenza di Rolly.

Mia moglie non sapeva molto di Disney. Ha fatto un giro in It’s a Small World—e mio padre aveva realizzato biglietti di compleanno e biglietti di Natale—e guardando a It’s a Small World ha detto: “Oh mio Dio, è mio suocero.” E questo è un po’ il mio pensiero. Tutto questo è stato sviluppato e pianificato e, al momento della Fiera Mondiale, e con l’arrivo degli anni ’60, aveva già accumulato 8 o 9 anni di esperienza, e ora era in fase di fioritura. Ora aveva un palcoscenico su cui lavorare.

Quindi sto parlando degli anni ’50 e della prima parte degli anni ’60 prima di tutto questo. Cosa è accaduto che lo ha sviluppato e costruito la sua fiducia per diventare un protagonista?

Sarebbe come in musica. Ha suonato in molti piccoli club prima di arrivare sui grandi palcoscenici. Il mio obiettivo è far sì che le persone ricordino come gli artisti diventano quello che sono diventati.