Solange traz Eldorado Ballroom para o Disney Hall

Como seus fãs ficam felizes em lembrá-la, já se passaram cinco longos anos e meio desde o lançamento do último álbum de Solange. Mas mesmo o mais impaciente de seus admiradores teria que admitir que esta cantora de R&B astuta e profunda – cujo “When I Get Home” de 2019 apareceu em inúmeras listas de críticos e gerou um curta-metragem ambientado em sua cidade natal, Houston – manteve-se ocupada durante todo o ano. na última meia década.

Sob os auspícios do coletivo Saint Heron, fundado em 2013, Solange, 38 anos, montou peças de arte performática em museus e galerias de todo o mundo; compôs uma partitura para o New York City Ballet; e até projetou uma linha de vidros que pretendia, em suas palavras, revelar “a sensibilidade dos objetos domésticos através da paisagem da domesticidade negra”. Este ano, a Apple Music incluiu o LP de 2016 de Solange, “A Seat at the Table”, em sua lista dos 100 melhores álbuns de todos os tempos.

Seu projeto mais recente é Eldorado Ballroom, uma série de três noites de apresentações musicais abrangentes que será inaugurada quinta-feira no Walt Disney Concert Hall. Nomeada em homenagem a um histórico Black Music Hall no bairro Third Ward de Houston – onde Solange cresceu com sua irmã mais velha, a superestrela pop Beyoncé – a série segue uma edição anterior realizada no ano passado na Brooklyn Academy of Music de Nova York; entre os artistas da programação de Los Angeles estão Patrice Rushen, Bilal, Moses Sumney, Dominique Johnson, J*Davey e o coral Gospel Music Workshop of America’s Women of Worship.

Solange ligou de sua casa na região de Nova York em uma manhã recente, depois de visitar uma exposição de Alvin Ailey no Whitney Museum.

Você me parece alguém para quem o senso de lugar é crucial para o seu trabalho.
Levei uma vida bastante nômade. Comecei a fazer turnê quando tinha 13 anos, dançando para Destiny’s Child, e morei em seis cidades diferentes na América. Muito do trabalho que tenho feito ultimamente tem sido baseado na criação de artefatos tangíveis porque eu me movo muito. Não importa onde eu esteja, há uma familiaridade que vem dessas coisas.

Eu estava conversando com um DJ parisiense que adoro, chamado Crystallmess, sobre como é emocionante ver a música regional fazer uma espécie de retorno. Em vários gêneros – mas especificamente com hip-hop e R&B e drill e club e house e música eletrônica – você está começando a ver todas essas sonoridades muito regionais explodindo dessas subculturas regionais muito específicas. Eu adoro isso porque sinto que carrego comigo uma sensação de Houston e do Sul em todos os meus treinos.

Grande parte da cultura popular é construída em torno da glorificação da estrela. Com Saint Heron, você parece interessado em desmantelar isso até certo ponto.
Saint Heron é realmente construído através do espírito de colaboração, e sou capaz de fazer e criar coisas que nunca conseguiria fazer sozinho. As pessoas perguntam o tempo todo: é uma instituição? É uma agência? É um arquivo? Eu realmente me concentro em chamá-lo de uma evolução viva e vibrante porque começou como um blog de música.

Quando eu lancei o EP “True” [in 2012]me senti muito solitário na época, sendo um artista negro no espaço da música indie. Eu sabia que havia tantos outros artistas negros que estavam reinventando a roda com o R&B e inovando dentro do gênero, e era realmente uma questão de ter um espaço coletivo e encontrar força nos números. Pensei muito nos Soulquarians e nos Super Friends e nessa ideia de que um coletivo poderia ter uma voz muito mais forte se celebrássemos uns aos outros e também nos apropriemos de nossas histórias.

Em que evoluiu?
Há cerca de cinco anos, eu estava meio paralisado. Senti que alcançámos muitas das coisas que queríamos alcançar e comecei a pensar muito no arquivo que considero importante manter e proteger. Imaginei meus futuros netos, em meio a esse renascimento negro da arte, da música e da cultura, ainda tendo que ir a instituições brancas para ver e vivenciar o arquivo. Na verdade, foi um momento muito, muito crucial.

Fui para Detroit, para o [Exhibit 3000] museu techno – é um espaço muito pequeno e íntimo, e o arquivo foi muito intencional e atencioso. Isso me deu asas para dizer que mesmo nesse nível micro, isso realmente importa. Quando pensamos em Jeff Mills e Juan Atkins e no impacto global daquilo que criaram, não importa o tamanho ou a escala do espaço. Esses objetos conseguiram ter permanência e contar uma história que ninguém mais poderia.

Fui para Chicago na mesma viagem e visitei o Stony Island Arts Bank de Theaster Gates e pude conhecer seu arquivo da Johnson Publishing e seu trabalho em cerâmica. Mais uma vez, recebi a mensagem de que a próxima evolução de Saint Heron é construir um arquivo de histórias, filmes, performances, objetos – momentos vivos e respirantes no tempo – e criar uma proteção para eles, para que haja um espaço onde as pessoas em 20 ou 30 anos podem voltar a esta música do Sampha numa compilação ou a esta entrevista que fizemos com Barkley Hendricks sobre a sua música favorita ou a experienciar as fotografias de Barbara Chase-Riboud durante a sua estadia no Egipto.

Você compartilha esse instinto de arquivamento com sua irmã, que anota meticulosamente tudo o que faz.
Não tenho certeza se é o mesmo para minha irmã, mas para mim é na verdade uma história muito comum em famílias negras, pois me lembro de crescer tendo talvez uma foto desde a idade de nascimento até talvez os 4 anos. e algo aconteceu com nosso armazenamento e as coisas se perderam. Então, todas as minhas fotos de infância vieram de tias, tios ou amigos da família. Definitivamente, existe uma ciência por trás da criação de memórias – ser capaz de voltar ao cheiro ou ao som de uma sala tendo acesso a uma imagem. E eu não tive isso. Portanto, há muitos quebra-cabeças da minha infância baseados em histórias e memórias, mas não necessariamente em um arquivo tangível.

A outra parte é que muitas vezes penso em quem eu seria ou quem eu faria. não se eu não tivesse tido acesso a imagens e histórias de mulheres negras que ajudaram a me definir e me deram a coragem de ser eu mesma sem remorso. Eu penso se eu conhecesse a música de Nina Simone, mas nunca vi nenhuma de suas entrevistas ou fotos dela. Penso em ver a arte de Senga Nengudi, mas não poder ver filmes dela dançando ou ouvir sobre seu tempo em Los Angeles e estar debaixo da ponte. Penso nesses momentos de totalidade e na minha negritude e na minha feminilidade, e muito disso se deve aos projetos que pude vivenciar através da preservação das histórias dessas mulheres.

Honestamente, tudo o que fiz nos últimos cinco a sete anos, estou pensando no ano de 2050 e no que tudo isso significará então.

Em Los Angeles você está estreando “Not Necessically in Arms Reach”, uma peça que você escreveu para duas tubas. Por que a tuba?
Minhas primeiras lembranças da tuba foram quando cresci ouvindo a banda marcial da Texas Southern University. O pai do meu filho jogava futebol e éramos namorados no ensino médio, então eu ia constantemente aos jogos dele, tanto no ensino médio quanto durante seu tempo no Texas Southern. E para ser sincero, eu estava literalmente perdido, apenas esperando a banda voltar – tipo, OK, quando é o intervalo? Eu só me lembro dos graves que eu sentia, porque o que acontece com as bandas marciais do sul é que elas têm seções de tuba com partes de solo, e há uma energia que elas trazem para o instrumento. Existe uma maneira de eles se moverem com isso. Quer dizer, os tocadores de tuba são sempre os mais atrevidos da banda.

Eu realmente ganho vida com o baixo, e havia uma gravidade na tuba que sempre me fazia sentir muito satisfeito. No meu alcance vocal, eu realmente não explorei os graves da minha voz. Geralmente escrevo melodicamente em um lugar mais falsete. Então, há coisas que não consigo alcançar com minha voz, e quando comecei a escrever músicas para tuba, fui capaz de explorar as partes mais guturais do meu corpo e expressar uma nuance que não conseguia nem com baixo sintetizado ou baixo elétrico. ou contrabaixo. Durante “A Seat at the Table”, comecei a trocar o baixo pela tuba.

Quando escrevo para tuba, canto todas as partes melódicas e as transcrevo talvez três ou quatro oitavas abaixo. Então, sou capaz de sentar e conviver com isso por um tempo e continuar a expandir, editar, harmonizar e construir. Há também algo na sinergia de dois tocadores de tuba frente a frente – uma espécie de escultura natural que ocorre com seus corpos e com o instrumento. Parece um monumento. Será muito interessante ver como isso existe num espaço como o Disney Hall que já é um monumento.

Solange se apresenta no Camp Flog Gnaw Carnival em Los Angeles em 2019.

(Allen J. Schaben/Los Angeles Times)

Você programou a apresentação de uma peça orquestral de Patrice Rushen, cuja carreira oscilou entre a música pop e a música clássica. O caminho dela ressoa em você?
Oh meu Deus, cem por cento. Lembro-me de que em “A Seat at the Table” eu estava trabalhando com o sobrinho de Raphael Saadiq, que é um pianista que estudou em Berklee. O nome dele é Dylan [Wiggins]e Patrice Rushen foi seu professor. Isso me surpreendeu completamente. Sou um grande fã de sua música há muito tempo, e não apenas de sua música, mas de seu estilo, de sua academia, de sua graça. Quero dizer, tudo isso – o cabelo.

Quando eu descobri sobre [Rushen’s composition] “Sinfonia”, ouvi religiosamente, e realmente me deu asas antes de começar a escrever minha peça para o New York City Ballet saber que este era um espaço que já havia sido ocupado antes. O que adoro nela é que ela continua cantando suas músicas pop. Ela abraça a dualidade de todos esses seus lados.

Por que você combinou Bilal com o trio Cooper-Moore, William Parker e Michael Wimberly?
Eu sabia que queria incorporar Cooper-Moore ao programa – seus instrumentos feitos à mão e o tipo de telescópios sônicos que ele vem criando. E eu sabia que queria um vocalista. Passei um bom tempo pensando: Quem poderia andar com esses caras? Eu estava anotando nomes e um dia pensei: É Bilal. Tive a experiência de vê-lo realmente usar sua voz como instrumento quando trabalhamos em uma música, “Cosmic Journey”, do meu segundo álbum. Ele fazia todos os tipos de sons com sua voz – sons de trompa, sons de piano, sons de baixo. E ele é um artista de improvisação. Naquela noite no estúdio, eu o vi improvisar uma melodia de 30 maneiras diferentes em uma hora.

Recentemente, você republicou algo no Instagram onde alguém apontou que conseguimos nova música de Mozart antes de termos um novo álbum da Solange. O que você acha da crescente demanda pelo seu próximo disco?
Na verdade, morri de rir. Minha base de fãs, eles simplesmente me fazem rir. Mas as pessoas esquecem que “A Seat at the Table” levei cinco anos para ser feito. Eu sinto que você tem que viver se quiser escrever de um lugar poderoso. E só escrevo quando tenho algo a dizer. Eu só escrevo quando sinto que não escrevo, então estou retrocedendo ou regredindo em minha jornada de cura pessoal. Então, tanto com “A Seat at the Table” quanto com “When I Get Home”, eu tinha algo a dizer. Havia uma urgência de escrever aquelas músicas ou então essas histórias se tornariam um veneno em meu corpo.

André 3000 frustrou alguns fãs de hip-hop no ano passado quando lançou um álbum experimental de jazz em vez de um disco de rap. Você poderia se identificar com onde ele está como artista?
Definitivamente. Eu sei o que é ter uma necessidade extrema de expressar uma parte de si mesmo e de ser corajoso o suficiente para silenciar todo o barulho e expectativas ao seu redor e entrar nisso. É verdadeiramente um ato de fé e, para muitos de nós, um ato de sobrevivência. Eu respeitei isso dez vezes.